Soledades

Incesante ruido hay en mi mente. 
Voces, como ecos que no callan.

Las heridas sangran en lo eterno de esta soledad, 
que vestida de tu ausencia,

asesina las horas en el reloj
 que va marcando cada instante sin tu voz;

cargando el aire con su aliento de tormenta...
reflejando en mi horizonte sombras vanas.

Y sigo aquí, 
escribiendo con mi sangre letras muertas,
 en esta tumba de papel y lágrimas,

la historia de este amor que quiso ser 
y late incierto en algún rincón del alma.

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Everybody's Got to Learn Sometime - Beck

  

Everybody's Got to Learn Sometime

Cambia tu corazón. 

Mira a tu alrededor. 

Cambia tu corazón. 

Te asombrarás. 

Necesito tu amor como al brillo del sol 

Todos conseguimos aprender alguna vez. 

Cambia tu corazón. 

Mira a tu alrededor. 

Cambia tu corazón. 

Te asombrarás. 

Necesito tu amor como al brillo del sol 

Todos conseguimos aprender alguna vez. 

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 Eternal sunshine of the spotless mind, es una película estadounidense estrenada en el año 2004. Si bien no pertenece a un género único, la podemos caracterizar como un drama romántico con varios pasajes de ciencia ficción. El largometraje es protagonizado por Jim Carrey (Joel) y Kate Winslet (Clementine) y el elenco lo conforman entre otros: Elijah Wood, Mark Ruffalo, Kirsten Dunst y Tom Wilkinson. El guión que ganó un Oscar como mejor guión original, estuvo a cargo de Charlie Kaufman y la dirección fue del francés Michel Gondry.

Argumento

Entre sus alteraciones temporales la historia nos mostrará cómo la relación entre estas dos personas avanza y se convierten en pareja. 

Pero Joel recibe un terrible golpe cuando descubre que su novia Clementine ha hecho que borren de su memoria todos los recuerdos de su tormentosa relación con un nuevo y revolucionario método clínico. Desesperado, se pone en contacto con el creador del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak, para que borre a Clementine de su memoria. Pero cuando los recuerdos de Joel empiezan a desaparecer de pronto redescubre su amor por Clementine y se arrepiente de haber tomado esa decisión. Desde su subconsciente intentará parar el proceso escondiendo a Clementine en los rincones de su cerebro, mientras el Dr. Mierzwiak y su equipo le persiguen a través de su laberinto personal.

Es una película que debido a la elección de una narración no cronológica de los sucesos, en la cual se intercala la onirie y la vigilia con constantes elipsis temporales reforzadas por los planos y la iluminación utilizada pueden llegar a generar confusiones al espectador, o a que este esté más preocupado por entender las variaciones de tiempo por sobre el trasfondo de la historia. El film invita a una reflexión sobre el tiempo, el amor, y las decisiones que se toman en distintas circunstancias de la vida y como estas no pueden ser las correctas llevando a un arrepentimiento. Por otra parte también esconde el mensaje que pese a una mala decisión, puede haber marcha atrás y que por más que esto cueste, el destino hará que las cosas sucedan de igual manera. 

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Curiosidades

El título original, Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Eterno resplandor de una mente inmaculada), está inspirado en un verso del extenso poema Eloisa to Abelard del poeta inglés Alexander Pope.

Ésta es la estrofa en la que aparece el verso en cuestión:

How happy is the blameless vestal’s lot!

The world forgetting, by the world forgot 

Eternal sunshine of the spotless mind!

Each pray’r accepted, and each wish resign’d.

• Antes de que Jim Carrey se interesara por interpretar a Joel, se consideró a Nicolas Cage para ese papel.
• El papel de Kate Winslet (Clementine) fue creado por Michel Gondry, quien esperaba que lo ocupase la cantante islandesa Björk, pero esta lo rechazó porque después de protagonizar 'Bailando en la oscuridad', sufrió una gran depresión y tenía miedo de recaer si volvía a actuar.
• Todas las escenas del tren fueron rodadas en un tren real en movimiento.
• El nombre que Joel le pone su novia proviene de la canción que Huckleberry Hound, un dibujo animado creado por Hanna Barbera, cantaba mientras caminaba: 'Oh my darling Clementine'
• Los créditos iniciales aparecen a los 18 minutos de empezar la película.
• Un día mientras rodaban en Manhattan, alguien se fijó en que estaba en la ciudad el famoso circo Ringling Bros.- Barnum & Bailey y que iba a hacer su desfile anual de elefantes esa misma noche en la calle 34. Unas pocas horas después el reparto y el equipo ya se encontraban allí y Joel (Carrey) y Clementine (Winslet) se incorporaron al desfile.
  
• Dan Leigh (Diseñador de producción) y Michel Gondry (director) se reunieron con un neurocirujano del Hospital Mount Sinai de Manhattan con el fin de sacar ideas para el diseño del casco. Encontraron la inspiración que buscaban en un aparato que los neurocirujanos utilizan para escanear el cerebro en los casos de tumores cerebrales difíciles.
• Desdel el inicio de la película, Clementine expresa a Joel que aplica un tinte diferente de cabello según su personalidad: Azul “ruina”, “amenaza” roja, “fiebre” naranja y “revolución” verde.
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Frases

Pensamientos al azar para el día de San Valentín, 2004. La celebración de hoy fue inventada por los fabricantes de tarjetas, para hacer sentir mal a la gente.

¿Porqué me enamoro de toda mujer que veo y que me presta un poquito de atención?

Me aplico la personalidad en pasta.

Bebe muchacho. Hará menos repugnante toda la parte de la seducción.

Bienaventurados los olvidadizos pues superan aún sus errores.

Hablar todo el tiempo no es necesariamente comunicarse.

¿Somos una de esas parejas aburridas por las que sentimos pena en los restaurantes? ¿Somos los comensales muertos?

Puedes correr, pero no esconderte.

Demasiados muchachos creen que soy un concepto o que los completo, o que los reanimaré. Pero solo soy una chica con problemas buscando paz espiritual. No me encargues la tuya.

Adiós. Fue agradable conocerte y el resto.

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Críticas

Eternal Sunshine of the Spotless Mind fue recibida con abrumadores elogios, obteniendo una aprobación en Rotten Tomatoes del 93%, y el rendimiento de Winslet fue elogiado en general. Roger Ebert comentó "A pesar de saltar a través de los deliberadamente desorientadores aros de su historia, Eternal Sunshine tiene un centro emocional, y eso es lo que hace que funcione." Ebert más tarde incluyó la película en su serie de "Grandes Películas".

En 2006, en el número 201 de la revista Empire, Eternal Sunshine of the Spotless Mind fue #83 en su encuesta de las 201 mejores películas de todos los tiemposvotada por lectores. Ese mismo año, el rendimiento de Winslet como Clementine fue incluido en la lista de la revista Premiere "100 mejores actuaciones de todos los tiempos" en el #81.

Claudia Puig, Crítica en USA Today, dijo sobre su actuación que "Winslet es maravillosa como un espíritu libre cuyo cabello cambia de color junto con sus estados de ánimo. No ha tenido un papel tan jugoso por un tiempo, y ella lo desempeña a la perfección."

Carol Vernallis señala que la experiencia de Gondry en la dirección de videos musicales contribuyó en la puesta en escena y diseño de sonido de la película. Vernallis describe algunos temas de los adornos visuales, sonoros y musicales durante toda la película, y cómo algunos adornos pueden trabajar en contrapunto.

En noviembre de 2009, Time Out New York clasificó la película como el tercera mejor de la década.

Se ha calculado que es la segunda película más aclamada por la crítica de los años 2000 (detrás de There Will Be Blood y empatada con la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos) en virtud de su número de apariciones en prominentes listas de "películas de la década".

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La música

«Everybody's Got to Learn Sometime» (en español: "Todos tienen que aprender alguna vez") es un sencillo escrito por James Warren e interpretado por la banda de música pop The Korgis, de la que Warren era el cantante principal. Fue publicado en 1980 a partir del segundo álbum de la banda Dumb Waiters, y alcanzó el número 5 en la lista británica UK Singles Chart

Esta canción ha sido versionada muchas veces a lo largo de los años, incluyendo varias versiones que alcanzaron la lista británica de éxitos, y destacando las versiones de The Dream Academy (1987), Yazz (1991), Baby D (1995), Army of Lovers (2001) y el dueto alemán de música techno Marc et Claude (2000). 

El cantante  Beck Hansen , conocido en el mundo artístico como Beck,  un músico, cantante, compositor y multiinstrumentista estadounidense, .realizó su propia versión para la película Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Pero el film cuenta con varios temas más y la banda sonora corre a cargo de Jon Brion.

Fuentes Youtube - Wikipedia

Sting "Shape Of My Heart" (música, video) - "Leon The Professional"

   

La Forma De Mi Corazón
(Shape Of My Heart)
Sting
Él reparte las cartas como una meditación.Y aquellos con los que juega nunca sospechan. Él no juega por el dinero que gana. Él no juega por el respeto. Él reparte las cartas para encontrar la respuesta. La geometría sagrada de la oportunidad. La oculta ley de resultado probable. Los números conducen una danza. Yo sé que las “espadas” son espadas de un soldado. Yo sé que los “bastos” son armas de guerra. Yo sé que los “diamantes” significan dinero para este arte. Pero esa no es la forma de mi corazón. Él puede jugar el “Jack” de diamantes. Él puede poner la “Reina” de espadas. Él puede encubrir un “Rey” en su mano. Mientras el recuerdo de eso desaparece. Yo sé que las “espadas” son espadas de un soldado. Yo sé que los “bastos” son armas de guerra. Yo sé que los “diamantes” significan dinero para este arte. Pero esa no es la forma de mi corazón. Esa no es la forma, la forma de mi corazón. Y si te dije que te amaba. Quizá pensarías que algo está mal. No soy un hombre de muchos rostros. La máscara que uso es una. Los que hablan no saben nada. Y descubrir a su costo. Como los que maldicen su suerte en muchos lugares. Y aquellos que sonríen están perdidos. Yo sé que las “espadas” son espadas de un soldado. Yo sé que los “bastos” son armas de guerra. Yo sé que los “diamantes” significan dinero para este arte. Pero esa no es la forma de mi corazón. Esa no es la forma de mi corazón.

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Sobre la película

Léon, también conocida como El profesional (Léon) o El perfecto asesino, es una película francesa de drama estrenada en 1994. Fue escrita y dirigida por Luc Besson e interpretada por Jean Reno, Gary Oldman y Natalie Portman. Léon presenta a Natalie Portman en su primer papel cinematográfico.

Argumento

Un asesino a sueldo, Léon (interpretado por el actor Jean Reno), se ve envuelto en un problema al salvarle la vida a una niña llamada Mathilda (Natalie Portman) que se encuentra comprando en el momento en que unos agentes corruptos de la división antinarcóticos del Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York, masacran en su propia casa a todos los miembros de su familia por problemas de droga. Estos policías tienen como cabecilla a Norman Stansfield (Gary Oldman). Mathilda le pide a Léon que la enseñe a hacer el trabajo que este desempeña; después de ciertas dudas, Léon acepta. La película se convierte en un verdadero drama cuando la niña se enamora de su rescatador y decide vengarse de los culpables de la muerte del único miembro de su familia que apreciaba de verdad: su hermano pequeño.

Curiosidades

• En el guion original Leon muere, y Matilda es la encargada de darle como odsequio de parte de Leon, una granada al personaje de Gary Oldman y los 2 mueren.
• León supuso para el actor Jean Reno su conocimiento para el público internacional.
• Esta película supuso el debut de Natalie Portman en el cine y a sus padres no les hizo mucha gracia el argumento por lo que la vigilaban constantemente durante el rodaje.
• Sus padres obligaron a suprimir una escena de esa película en la que debía aparecer desnuda y a rectificar el guion en los pasajes en que la niña se mostraba fascinada por la violencia. 
• Rodó sus escenas durante las vacaciones de verano de 1993.
  
• Natalie Portman dijo que nunca había visto una película de Marilyn Monroe antes de rodar Léon. Así que para la escena en la que se disfrazó de ella se inspiró en una escena que había visto en Wayne’s World.
• La primera opción para el papel de Mathilda fue Liv Tyler; pero se la consideró demasiado mayor (tenía 15 años)

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La música

 "Shape Of My Heart" de Sting, nace el año 1993 con el álbum "Summoner's tales" y en la película "Leon The Professional" como banda sonora el año 1994.  En una entrevista, en 1993, Sting dijo: “Quería escribir sobre un jugador de cartas, alguien que apuesta, pero no para ganar, sino para darse cuenta algo; algún tipo de suerte u oportunidad basada en una lógica mística; una especie de científico, casi religioso. Así que esta persona, un filósofo, no juega por el respeto que ello conlleva, ni por dinero. Tan solo lo hace por entender las leyes que rigen la lógica. Es un jugador de poker, así que no es fácil para él expresar sus emociones. De hecho, no expresa nada en absoluto. Es una máscara, y nunca la cambia.”

                      Curiosidades sobre Sting

• Gordon Matthew Thomas Sumner empezó a ser llamado Sting (que en inglés significa ‘aguijón’) porque en una presentación junto a la banda Phoenix Jazzmen llevó un sweater amarillo y negro a rayas que, según el lìder del grupo, Gordon Salomon, lo hacía parecer una abeja. En ese momento nació su popular apodo.
• Muchos años antes de grabar el soundtrack de la película “El Profesional”, “Shape of my heart”, Sting era un profesor de escuela primaria. “Era pésimo”, según él mismo ha revelado. El cantante enseñó en la ciudad inglesa de Newcastle, pero solo le enseñaba a los niños lo que él encontraba inreresante. Es decir, básicamente fútbol y poesía. Finalmente el intérprete abandonó las aulas para perseguir sus musicales sueños.
• 
  En 1977 Mike Howlett (bajo y voz), Sting (bajo y voz), Stewart Copeland (batería) y Andy Summers (guitarra) formaron la banda Strontium 90. El primer disco del grupo se llamó “Strontium 90: Police Academy”. De allí nació el nombre de la agupación que luego lo llevaría a la fama: The Police.
• El cantante practica yoga y, según las buenas lenguas, domina una técnica que le permite tener sexo durante horas con su esposa. Tal vez esta es una de las claves de su matrimonio con Trudie Styler, con quien lleva casi 20 años de casado. Además, cultiva una gran pasión por el vino y no solo eso, también lo produce en sus propiedades ubicadas en Toscana, Italia. Su viñedo es diferente: está plantado de acuerdo a las fases de la luna.
  

  
• En 1989 Sting y su esposa fundaron la ONG Rainforest Foundation, una asociación sin fines de lucro que en un primer momento buscaba paliar la destrucción en la serlva amazónica y el impacto devastador que este hecho tenía en la gente que vivía en aquellos territorios. Con los años, la fundación ha conseguido un impacto mundial e incluso Sting y Trudie han sido premiados por su labor filantrópica por el ex presidente de Estados Unidos Bill Clinton. 
• Actualmente el rockero se siente “sexy y saludable”, según dijo en una entrevista a El Mercurio de Chile. Es que es un hecho, Sting es como el vino que cultiva: se pone mejor con los años.

Fuentes : http://elcomercio.pe/ - Youtube - 

Hubo un ángel Poesía

Hubo un ángel

Quiso ser el viento entre sus alas,

el aire que exhalaban sus suspiros.

Quiso quedarse dormido en sus rincones

y perderse en las esquinas de su olvido.

Pensó en robarle un color mientras dormía,

para pintar sus sueños desteñidos.

Sembrar su estela de esperanzas vanas,

y que germine su ausencia en el vacío.

Quiso ser el aire blanco de su aroma,

el halo de la luna en su vestido.
Y en una lágrima envolvió sus besos,

hasta encontrarla al otro lado del camino.

12 años de esclavitud- Música John Legend Alicia Keys

Dirección: Steve McQueen.

Intérpretes: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Brad Pitt, Benedict Cumberbatch, Lupita Nyong’o.

Género: drama. Estados Unidos, 2013.

Duración: 134 minutos.

                      

‘12 años de esclavitud’ es una adaptación de las memorias de Solomon Northup publicadas en 1853, doce años antes de la abolición de la esclavitud en Estados Unidos.

El actor británico Chiwetel Ejiofor encarna a Northup, un violinista negro, casado y con tres hijos, que tenía una vida apacible en Saratoga Springs (estado de Nueva York) hasta que fue secuestrado en 1841 y vendido a plantadores de algodón en Luisiana. Fueron necesarios doce años para poder liberarse de las cadenas, gracias a la ayuda de un abolicionista canadiense interpretado por Brad Pitt, quien además coprodujo el film, bajo la dirección de Steve McQueen. La película fue Nominada a 9 Premios Oscar y resultó ganadora de 3.(Mejor Película. Lupita Nyong'o, Oscar a la mejor actriz secundaria.  Mejor Guión Adaptado)

Cabe destacar lo que la película no cuenta sobre el resto de la vida de Solomon Northup. Se sabe que éste, demandó a los comerciantes de esclavos en Washington D. C. pero perdió el caso, pues la ley del distrito de Columbia prohibía que los negros testificaran contra los blancos. Sus dos secuestradores fueron acusados de secuestro e ingresaron en prisión con una fianza de cinco mil dólares, pero sin el testimonio de Northup no se les pudo acusar en firme y fueron puestos en libertad. Una vez que regresó con su familia a Nueva York, Solomon Northup se convirtió en un activo defensor de la abolición de la esclavitud y publicó un relato de su experiencia (1853). No se sabe nada de su vida después de 1857, por lo que la fecha o circunstancias de su muerte son totalmente desconocidas. Existen registros de haber visitado al hijo de un ministro metodista en Vermont, en 1866, con quien había ayudado a esclavos fugitivos. Pero, en el censo de 1875 del estado de New York, Anne Northup aparece como viuda.

Críticas encontradas

Steve McQueen, director de Doce años de esclavitud, es un hombre negro y nacido en Londres, con ancestros caribeños que sufrieron la esclavitud. Es una intensa, desgarrada y buena película sobre aquella legalizada barbaridad consistente en que una gente pudiera disponer de poder absoluto sobre la vida y la muerte de otros seres humanos en función del color y del poder adquisitivo del comprador de personas.

Adaptando el libro que escribió Solomon Northup ,relatando sus 12 años de esclavitud, Steve McQueen cuenta esta tragedia, esta historia de terror, sin ahorrarle sobresaltos a los espectadores. Probablemente la realidad fue tan feroz, e incluso peor, que lo que vemos y escuchamos en la película, pero hay momentos en los que agradecería al director el sentido de la elipsis, menor vocación naturalista. Me impresionan más los momentos en los que funciona la sutileza que la exposición hiperrealista de incontables latigazos y un torrente de llagas. Michael Fassbender, el actor de moda, se empeña en hacer creíble a un excesivo sádico. Lo consigue.

Carlos Boyero para El País

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/12/12/actualidad/1386879373_183442.html

Steve McQueen aborda hechos reales con una idea lamentablemente más lineal. La película es mayormente esos años de esclavitud, las barbaridades a las que es sometido Solomon (cuyo nombre de esclavo es Platt), las barbaridades que observa Platt y la barbarie general. Tiende a dejar a los demás esclavos como mero decorado, cosa que hace incluso con la más relevante Patsey, un personaje al que humilla una y otra vez más que nada para ver la reacción (o no reacción) de Solomon.

 Abandona con demasiada rapidez la importancia de la vida anterior y familiar de Solomon-Platt. McQueen hace un show sobre la esclavitud, con los detalles visuales y con la música de Hans Zimmer, que se dedica a ser ominosa eléctricamente, sobre todo en la primera parte; con el show de intensidad actoral de Fassbender, con el personaje del productor Brad Pitt, que aparece para ser bueno y sintetizar ideas de forma totalmente artificial, como si fuera la declaración universal de los derechos del hombre hecha hombre.Si la película se sigue con cierto interés es antes que nada porque la búsqueda o el anhelo de libertad, es una historia de alcance universal y atractivo constantemente renovado, a pesar de los intentos de McQueen por devaluarla y filmarla con bella fotografía.

Javier Porta Fouz para La Nación  http://www.lanacion.com.ar/

Curiosidades

• "Estábamos rodando una escena muy intensa de "12 años de esclavitud" y de pronto se desmayó, cayó redondo al suelo. Ése es Michael Fassbender, alguien que pone todo lo que es, todo lo que tiene, en lo que está haciendo; por eso es un actor extraordinario, no se guarda ni un gramo de energía. Lo da todo". Cuenta McQueen.
• "Todos merecen no sólo sobrevivir, sino vivir", dijo McQueen al agradecer el premio. "Dedico este galardón a todos los que han sufrido esclavitud y los que aún la sufren". El Óscar corona un palmarés impresionante, que incluye entre otros un Globo de Oro, el Bafta a mejor película y el premio mayor del Sindicato de Productores (PGA) de Estados Unidos.
• El éxito de "12 años de esclavitud" en los premios Oscar hizo que el libro en que está inspirada la película aumentara sus ventas.
• Es la primera vez que gana una película sobre la esclavitud protagonizada por negros.
• Según Los Angeles Times, Steve McQueen convenció a Fox Searchlight, el distribuidor de "12 años de esclavitud", de firmar un acuerdo con la editorial Penguin Books para enviar un ejemplar del libro y un DVD de la película a las 30.000 escuelas públicas del país. "Siempre aspiré sacar ese libro a las escuelas", dijo el director en febrero, durante el banquete en honor a los nominados a los Óscar. "Desenterrar a alguien como Solomon Northup, desenterrar a un héroe estadounidense, me hace sentir orgulloso".
• “Cuando acabé de leer aquel libro me avergoncé por no conocerlo, aunque luego me di cuenta de que no era el único, de que casi nadie lo conocía”, confiesa el director Steve McQueen, que compara el manuscrito de Solomon Northup con El diario de Ana Frank. “Yo quería contar una historia como ésta, pero cuando escribíamos no salía bien y mi mujer, que es historiadora, me encontró este libro”.
  


En abril de 2014, Tiempo revista incluyó McQueen en su anual TIEMPO 100 como uno de los "Más Personas Influyentes del Mundo" 
El actor británico Chiwetel Ejiofor aprendió a tocar el violín para el film. "Cuando empezamos a estudiar nuestros personajes, me di cuenta de que no podía fingir que sabía tocar el violín delante de las cámaras porque el truco no pasaría desapercibido para el público. Tenía que aprender a utilizar el instrumento y alcanzar el mismo nivel que Solomon [el esclavo al que da vida en el filme], así que semanas antes de empezar a rodar, contraté a una profesora particular para que me diera lecciones intensivas."

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La música

         Move - John Legend feat. Fink

                     

                           Alicia Keys - Queen of the field        

                       

El director Steve McQueen tuvo claro desde el principio que quería que el gran Hans Zimmer se encargase de componer la música una vez terminado el rodaje de la película y éste terminó aceptando el trabajo después de pensárselo bastante, gracias a la insistencia del realizador británico. Aunque el compositor alemán no fue el único responsable de la música del filme, ya que el músico John Legend (quien merece un capitulo aparte) se encargó de seleccionar los temas no instrumentales del mismo. Entre ellos, además de alguna canción propia, escogió creaciones

(no originales ni pensadas expresamente para la película) de artistas como la conocidísima  Alicia Keys, los cantantes de soul y blues Gary Clark Jr. y Cody Chestnutt o del vocalista del grupo de rock Soundgarden, Chris Cornell, entre otros.
"12 años de esclavitud es una película increíblemente poderosa. Me conmovió tanto cuando la vi. Sentí cada minuto de ella y estaba tan inspirado para contribuir a la música de la banda sonora. Este álbum reúne a algunos artistas increíbles de diferentes lugares y diferentes géneros que han sido tocados por toda la película. Cuando los artistas se inspiran en grandes obras de arte, eso nos hace querer crear. Este álbum es el resultado de esa inspiración."  John Legend    

                                           

La artista Alicia Keys, presenta un delicado tema a piano en el que habla de lo que era ser una mujer negra en el Estados Unidos preguerra civil, es decir, en los tiempos de la esclavitud. “Queen of the field, born among cotton” canta en esta balada grabada con instrumentos de la época. 

Dijo Chris Cornell:"Me conmovió esta película y la historia de una manera que trasciende cualquier experiencia cinematográfica que he tenido. Me inspiré para escribir un centenar de canciones, pero finalmente aterrizó en uno basado en lo que creo que es un mensaje muy importante que tomé de viaje de este hombre. La compasión, los derechos humanos básicos y el amor deben ser nuestras prioridades por encima de la raza, la religión o el comercio. Cada generación necesita un recordatorio de que la idea simple ".

12 años de esclavitud Soundtrack Lista de canciones

1. Tim Fain "El sueño del diablo"
2. John Legend "Roll Jordan Roll"
3. Gary Clark Jr. "Freight Train"
4. Tim Fain y Caitlin Sullivan "Vals de Yarney" 

5. Alabama Shakes "Driva Man"
6. David Hughey y Roosevelt de crédito "Mi Señor Sunshine (Sunrise)"
7. Hazaña John Legend. Fink "Mover"
8. Hans Zimmer "Washington"
9. Gary Clark Jr. "(La Tarde) Cuando The Sun Goes Down"
10. Alicia Keys "Queen Of The Field (Canción de Patsey)"
11. Hans Zimmer "Salomón"
12. Laura Mvula "Little Girl Blue"
13. Hazaña Chris Cornell. Joy Williams "Cadena Misery"
14. Topsy Chapman hazaña. Chiwetel Ejiofor y Elenco "Roll Jordan Roll"
15. Tim Fain "El dinero de almizcle"
16. Cody Chesnutt "¿Qué significa la libertad Mean (Para un hombre libre)


Fuentes: Wikipedia Youtube

Mouline rouge - Come what may - Nicole Kidman - Ewan Mcgregor

                             
                                     

Pase lo que pase

Nunca supe que me podría sentir de esta manera,

como si nunca hubiera visto el cielo antes.

Quiero desaparecer dentro de tu beso,

cada día te amo más y más.

Escucha mi corazón ¿puedes oírlo cantar?

Diciéndome que te dé todo?

Las estaciones pueden cambiar, invierno a primavera,

pero yo te amo hasta el final de los tiempos.

Pase lo que pase..

Pase lo que pase..

Te amaré hasta el día de mi muerte.

Repentinamente el mundo parece un lugar tan perfecto.

Repentinamente se mueve con una gracia perfecta.

Repentinamente mi vida no parece un desperdicio.

Todo gira alrededor de ti

y no hay una montaña demasiado alta,

no hay río muy grande.

Canta esta canción, estaré ahí a tu lado.

Las nubes de la tormenta pueden juntarse

y las estrellas pueden chocar,

pero yo te amo hasta el final de los tiempos.

Pase lo que pase..

Pase lo que pase..

Te amaré hasta el día de mi muerte.

Oh pase lo que pase, pase lo que pase..

Te amaré, te amaré!

Repentinamente el mundo parece un lugar tan perfecto.

Pase lo que pase..

Pase lo que pase..

Te amaré hasta el día de mi muerte.

Moulin Rouge! es una película musical australiana dirigida en 2001 por Baz Luhrmann, escrita por el propio Baz junto a Craig Pearce. Protagonizada por Nicole Kidman y Ewan McGregor.

Año 1900, París. El bohemio Christian (Ewan McGregor) se enamora de la estrella del Moulin Rouge Satine (Nicole Kidman) y una noche, tras un malentendido, sus caminos terminan por cruzarse.

Él la enamora con su poesía y ella lo hechiza con la luz que irradian sus ojos, pero todo cambiará cuando ella descubra que Christian no es el millonario duque al que está dispuesta a convencer para financiar una obra teatral. Entonces se debatirá entre el amor que siente hacia el bohemio o el interés hacia el duque (Richard Roxburgh) y poder convertirse en una gran actriz.

La película está ambientada a principios del siglo pasado, en la capital francesa que buscaba derribar las normas convencionales en todas las áreas posibles. El film, además, tiene como tema principal el amor y se desarrolla en un entorno que mezcla el lujo y la bohemia a modo del arte de Toulouse-Lautrec, que aparece como uno de los amigos del protagonista.

El filme suscitó reacciones encontradas. Se afirmó que Moulin Rouge! recuperaba un género abstracto y cinematográfico pasado de moda (en este caso, el cine musical) ofreciendo una visión tridimensional y atípica, visualmente apabullante y de éxito comercial.

Las críticas más duras se centraban en los deliberados anacronismos, que alteraron el contexto histórico (finales del siglo XIX) para ofrecer una mezcla de estética, casi una rebeldía actual.

También se criticó el protagonismo excesivo de lo visual sobre lo argumental y musical: movimientos vertiginosos de cámara, abuso de colores cálidos y un montaje agresivo que pretendían apabullar más que sugerir. El argumento se tachó de simplista y realmente nada arriesgado: una historia convencional de Romeo y Julieta, de un romance dificultado por causas externas y que concluye fatalmente.

Los elogios, por el contrario, se centraron en subrayar el riesgo de recuperar el género musical con un gran presupuesto, otorgando los papeles protagonistas a actores que si bien tenían un caché elevado, no eran cantantes profesionales y usaban su voz real.

Curiosidades

• La inspiración de "Moulin Rouge" le llegó a Luhrmann (director) cuando viajaba por la India, buscando localizaciones para otro proyecto. Fue allí donde vio una película de Bollywood, la industria cinematográfica más fuerte que la norteamericana, que le pareció "una comedia ridícula, drama increíble y, de repente, un número musical"
• El director utilizó dos nombres simbólicos para la pareja protagonista; Satine-Satán (Kidman) y Christian-Cristo (McGregor) para simbolizar las fuerzas opuestas del bien y la inocencia y del mal y el pecado.
  
• Catherine Zeta-Jones y Heath Ledger fueron pensados para los papeles de Satine y Christian, respectivamente.
• Después de Nicole Kidman, la actriz elegida para el papel de Satine era Renée Zelwegger. 
• En el film participaron más de 60 maquilladores y peluqueros, se diseñaron en Roma más de 85 pelucas. 
• Nicole Kidman se fracturó la rodilla en el rodaje de la escena del trapecio, situado a más de 20 metros de altura y que se empeñó en rodar ella misma sin utilizar una doble 
• La ropa interior que lleva Nicole Kidman en la película pesa 13 kilos 
• "Pase lo que pase", fue escrito por David Baerwald para la película "Romeo y Julieta". 
• El rodaje duró 188 días y requirió el trabajo de 650 extras y un equipo de más de 750 técnicos. 
• Luhrman tiene un record Guiness por haber obtenido la mayor cantidad de derechos de autor para una película. 
• Nikole Kidman, estuvo a punto de rechazar el papel en "Los Otros" por culpa del intenso rodaje de Moulin Rouge, especialmente por las lesiones que sufrió. Al final, Alejandro Amenabar (Director) la convenció. 
• La gargantilla que el Duque regala a Satine está valorada en 2 millones de dólares (casi 400 millones de pesetas) así que en estas escenas la actriz estuvo permanentemente flanqueada por dos guardias armados que no le quitaban ojo de encima. 
• Se dice que Madonna quedó tan asombrada con la reinterpretación de su tema "Like A Virgin" que envió al director una felicitación videograbada y un ofrecimiento de trabajar "Gratis" con él en cualquier proyecto futuro 
  
• Todos los actores cantan ellos mismos sus temas, pero todos grabaron por separado sus partes para no perder calidad, al estilo video clip. 
El enano (John Leguizamo) que actúa con Ewan McGregor representa simbólicamente al bohemio pintor francés Toulouse-Lautrec que diseñó carteles del Moulin Rouge y vivió atormentado por la bohemia nocturna y por una enfermedad que padecía por la cual se le quebraban los huesos muy facilmente.

La música

COME WHAT MAY  fue escrita por David Baerwald. Es el único tema de este primer CD creado expresamente para la película, y como tal, original. Es la canción secreta de los amantes, que compone Christian para la obra que van a representar al duque, al que irritará especialmente porque es con esta canción cuando descubrirá ese secreto que hasta ese momento guardaban sin que el duque se diera cuenta.

A pesar de que el duque prohibirá que se cante en la obra, siempre estará presente entre Christian y Satine, porque "... pase lo que pase, te amaré hasta que me muera ...".
La banda sonora de esta película fue un éxito mundial. El film se sirvió de éxitos de la música pop, encajándolos de manera más o menos justificada en el argumento. Entre dichas canciones, figuran "Your Song" de Elton John, "The Show Must Go On" de Queen, "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, "Like a Virgin" de Madonna y "Roxanne" del grupo The Police, en formato de tango ideado por Mariano Mores. En la banda sonora intervenían astros de la música como David Bowie y el incipiente Rufus Wainwright,. «Lady Marmalade» es la versión de la canción de la cantante Labelle de 1975, pero veintiséis años después llamaron a las cantantes Christina Aguilera, Lil' Kim, Mýa y Pink para que colaboraran en la banda sonora de la película Moulin Rouge!. Esta versión fue escrita por Bob Crewe, Kenny Nolan y Lil' Kim, fue producida por Missy Elliott y Rockwilder y fue ampliamente difundida para promocionar el film.

En su totalidad, esta particular banda sonora fue reconocida con un Globo de Oro como la mejor del año 2001. 'Moulin Rouge!'  también ganó en 2001, dos premios Oscar: uno por el Mejor Diseño de Vestuario, y otro por Mejor Dirección Artística. Gracias a su trabajo en este film, Nicole Kidman fue nominada por primera vez a un Oscar, pero no logró ganarlo. De todas formas, fue galardonada con un Globo de Oro a la mejor actuación en comedia o musical por 'Moulin Rouge!'.

Ewan McGregor obtuvo también una nominación, pero aunque no ganó, se dice que tuvo propuestas para grabar discos, tras la sorpresa que causó su desempeño musical en la película.

Moulin rouge soundtracks

1. Nature Boy - David Bowie
2. Lady Marmalade - Christina Aguilera/Pink/Mya/Lil' Kim
3. Because We Can - Fatboy Slim
4. Sparkling Diamonds - Nicole Kidman/Jim Broadbent/Caroline O'Connor/Natalie Mandoza/Lara Mulcahy
5. Rhythm of the Night - Valeria
6. Your Song - Ewan MacGregor/Alessandro Safina
7. Children of the Revolution - Bono/Gavin Friday/Maurice Seezer
8. One Day I'll Fly Away - Nicole Kidman
9. Diamond Dogs - Beck/Timbaland
10. Elephant Love Medley - Ewan MacGregor/Nicole Kidman/Jamie Allen
11. Come What May - Ewan MacGregor/Nicole Kidman
12. Le Tango de Roxanne - Ewan McGregor/Jose Feliciano/Jacek Koman
13. Compliante de la Butte - Rufus Wainwright
14. Hindi Sad Diamonds - Nicole Kidman/John Leguizamo/Alka Yagnik 

15. Nature Boy - David Bowie/Massive Attack

Fuentes: Wikipedia Youtube

Preséntanos un blog amigo

La consigna de este mes ha sido presentar un blog amigo, para contribuir a la difusión de sus contenidos.

Y buscando entre muchos blogs literarios, encontré a este bloguero, que me gustó mucho por su estilo y por sus letras, lo contacté y accedió con gusto. 

Presento el Blog Criticón XXI de Ángel M. Alcalá  http://anmaralcala.wordpress.com/

Su página de Facebook, si lo quieren visitar: https://www.facebook.com/criticonxxi?fref=ts

Su blog, lleva solo dos meses de creado y esto me cuenta Ángel de su motivación a la hora de hacerlo y escribir en el:

Siempre he contado historias, me gusta narrar. Narrar es recrear sueños, y las personas necesitamos soñar, si queremos crecer. La imaginación es vital, y se está perdiendo.

Comencé escribiendo de chaval, pero conformé crecía me daba cuenta del mundo tan imperfecto en el que vivimos.  

Creo que no se puede abstraer la ética del arte, para mí no sería arte completo, porque creo que el arte es la expresión del alma, y sólo si es sincero y empático, se consigue transmitir algo. Los escritores tenemos la obligación de entender el mundo lo más objetivamente posible y contárselo a quienes no lo hayan visto de esa manera.. puede que esté equivocado, pero es mi punto de vista. Sólo pretendo plantear dudas. Es un reto...de hecho es la ventaja del escritor, podemos aprovechar que entretenemos para comunicar uno o más mensajes de fondo y hacer que la gente reflexione.

La poesía es la voz de las emociones, la belleza de las palabras mediante la síntesis y la músicalidad y entiendo que la poesía auténtica surge de un grito del alma, más o menos desgarrado, pero siempre necesario. Si es sincero y no hay pretensiones, ni miedo, sale bien.

Luego, ya depende de si quieres golpear al lector, acunarlo, enamorarlo.. cada tipo de música para cada emoción. 

                                                                                                          Ángel M. Alcalá  

Sus letras:

Último esfuerzo

Mi último esfuerzo para no pensar en ti

ha quedado disuelto

entre los rostros en blanco de la estación.

Me gusta sentarme junto a la ventana,

ver un documental de sociología manchega

en más de doce lenguas,

saber que mi dirección es el mundo

que mi hogar será un recuerdo contigo,

o una esquina en plena calle,

donde te escuche reír por teléfono.

-Tengo que irme, llego tarde a olvidarte-.

Cada camino por el que me alejo de ti,

es el hilo argumental de un romance de ciego,

como visto por el objetivo de Roman Polanski...

cuando se levanta con ganas de ser feliz.

.(c) Ángel M. Alcalá

Espero que lo visiten y puedan compartir su contenido. Muchas gracias!